Fecha de lanzamiento: Abril 22 de 2013 Género: Indie Pop, Rock-Pop, Synthpop
Es imposible hablar de Bankrupt! sin mencionar al exitoso Wolfgang Amadeus Phoenix. Primero, porque ésta es la secuela después de 4 años sin Phoenix en el mercado. Segundo, porque a pesar de ser un álbum con buen contenido, la quinta entrega de los franceses no llega a tener el impacto de la producción que los catapultó al mainstream. Con altas expectativas, Bankrupt! trasciende al indie y se asienta completamente en el pop, sin causar gran revuelo y manejando un perfil bajo en el que fue uno de los LP más esperados de 2013.
Este álbum se caracteriza por la importancia que el cuarteto le da a los sintetizadores. A lo largo de los casi 41 minutos que dura escuchar el disco de principio a fin, la instrumentación clásica de Phoenix adorna el contenido digital que cambia la naturaleza de la banda incluso en género. Sólo el caso de su principal sencillo Entertainment podría considerarse como un B-Side Japonés del Wolfgang Amadeus Phoenix: Conserva ese sonido Phoenix lleno de guitarras, bajos y baterías juguetonas en un timing saltarín, con la diferencia que incluyen un sintetizador protagonista que parece traído del lejano oriente.
Han pasado 7 años desde su LP anterior Silent Shout – nombrado por Pitchfork Media como mejor álbum de 2006 – y 3 años desde el aclamado álbum Tomorrow In A Year, una colaboración junto a Mt. Sims y Planningtorock para la ópera de Hotel Pro Forma sobre el origen de las especies de Charles Darwin. Ambos álbumes lograron posicionarse en el universo de la electrónica alternativa como grandes obras artísticas del nuevo siglo. Por esta razón, no es sorpresa que este último disco esté catalogado por la crítica como la cúspide en la carrera de The Knife, quienes han madurado personal y musicalmente con el pasar del tiempo.
Se puede dividir el álbum en tres grupos de canciones: Las africanas, las techno y las experimentales. Con una amplia variedad de percusiones tribales, acompañadas de la particular voz de Karin Dreijer con sintetizadores retro, Without You My Life Would Be Boring, Ready to Lose y A Tooth For An Eye comprenden el primero de los grupos mencionados. Las canciones son ricas en sonidos, exquisitas para oídos curiosos que buscan encontrar algo nuevo cada vez que las escuchan, siendo las dos primeras un poco más oscuras que la tercera.
El segundo tema Full of Fire, junto a Networking y Stay out of Here, marcan un tono más dramático y denso que se verá reflejado en el resto del disco. Sin embargo, a diferencia de las africanas y las experimentales, están marcadas por un distintivo uso de sintetizadores y beats que poco se pueden catalogar dentro de un género. El término techno es simplemente alusivo a el tiempo en el que van las canciones.
Por último está el diverso grupo de las experimentales. Cherry on Top y Wrap Your Arms Around Me tienen remanentes de esa colaboración con Planningtorock y Mt. Sims, con marcaciones lentas y espaciosas y liricas melodiosas y frágiles. Del otro lado están Crake y Oryx planteando una ambientación basada en ruidos y feedbacks ásperos y corrosivos, como rayando un tablero de tiza con las uñas o un pito de un tren a vapor, a diferencia de Old Dreams Waiting To Be Realized que es más una ambientación de feedbacks con un sistema de megafonía en una sala de calderas, logrando un sonido más reverberado y menos agresivo. Fracking Fuel Injection es una colección de sonidos producidos por un somiere y la voz de Karin combinados con delays logrando un eco que, al cerrar los ojos, parece un susurro del alma al cuerpo.
Sin duda, en su todo, Shaking the Habitual marca un nuevo hito dentro de la música alternativa y representa más un concepto social que un simple álbum musical. Aquí nos enfocamos en la música. Si quieres ver más información relacionada con el concepto detrás de Shaking The Habitual, visita el artículo publicado en 2Type Mag.
Actos asociados a The Knife: Fever Ray (Karin Dreijer como solista), Björk, Woodkid, iamamiwhoami, Grimes, Röyksopp e incluso Goldfrapp. Aunque el último álbum de The Knife se separa sustancialmente de lo que venían realizando anteriormente.
Después de un exitoso ingreso al mundo mainstream con su álbum «One Life Stand» y su canción I Feel Better, la banda de Alexis Taylor y Joe Goddard se vino con un álbum mucho más bailable y upbeat, catalogado por The Guardian como su mejor álbum hasta el momento. Después de 2 años, In Our Heads sigue manteniendo el alma que tanto caracteriza a los ingleses radicados en Londres.
Si quiere iniciar una fiesta y sorprender a sus invitados pero no sabe cómo, presione play a In Our Heads desde el principio: Motion Sickness, How Do You Do y Don’t Deny Your Heart, tres canciones con toda la danzabilidad del buen electropop al mejor estilo de Hot Chip, con sintetizadores que remiten a sonidos de New Order y Pet Shop Boys pero con ese picante nuevo del S. XXI. Para seguir en el mood bailable, Night and Day tiene los bajos perfectos (en donde se nota el diseño musical de Goddard/2 Bears) para mover las caderas estilo nerd y Ends of the Earth, con las secuencias sincopadas, perfectas para cerrar los ojos y dejarse llevar.
Look At Where We Are, Now There is Nothing y Always Been Your Love son las canciones más suaves del álbum. La primera de este grupo, es una balada pop más a un estilo R&B y con un espíritu moderno, a diferencia de las siguientes dos que guardan más un aire de los 70’s, con la inclusión de un teclado que suena a canales de RGB corridos. Última pero no por eso menos importante, Flutes, la cual sumérge al oyente en un mar de samples, sintetizadores y beats sincronizados de tal forma con esa melodiosa y pegajosa voz de Taylor que tanto se destaca con la fusión de instrumentos de Goddard. Ésta es una de las grandes favoritas de éste cuarto álbum del quinteto.
Recomendadísimo para aquellos amantes de grupos o solistas como Cut Copy, Metronomy, 2 Bears, Peaches, PNAU, Clubfeet y LCD Soundsystem. Va Sonando!
Arthur Beatrice es una banda emergente dentro de la escena alternativa de Londres. Es también una de las pocas bandas que explotan la atracción física a través de su misterioso anonimato, como bien lo explica The Guardian en uno de los escasos artículos que se encuentran sobre ellos.
Su arte trasciende las barreras musicales y se filtra en la fotografía, los videos experimentales y la poesía tal como se puede ver en su página web. Su cáracter británico permea la actitud crítica y mordáz con la que afrontan lo poco que existe sobre ellos, en su intento por burlar el consumismo posmodernista añadiendo esa preocupación por ir un poco más allá de lo evidente.
La banda está formada por Orlando Sheppard (voz, guitarra, teclados), Ella Girardot (voz y teclados), Elliot Barnes (batería y coros) y Hamish Barnes (bajo y coros) y su música puede ubicarse dentro del mismo rango de bandas como The XX, Metronomy, Chairlift, The Smiths y The Invisibles. Desde hace tiempo que quería escribir sobre ellos, pero no encontraba nada interesante para compartir. Aquí les dejamos este abrebocas
Al parecer Father, Son, Holy Ghost es producto de desempolvar todos los LP’s de The Beatles, Pink Floyd, Led Zeppelin, Deep Purple, Creedence Clearwater, meterlos en una licuadora y tomarse un batido retro. Christopher Owens y Chet «JR» White produjeron un álbum que sella el 2011 diciendo «Rock isn’t dead».
La voz de Owens – con ese aire Thom Yorkésco – y la producción de JR añaden actualidad a este álbum lleno de guitarras acústicas con rasgueos y arpegios clásicos, guitarras distorsionadas con solos legendarios, espacios sonideros, coros gospel, órganos de iglesia y bajos métricos. En Vomit pareciera que la dirección estuviera a cargo de Roger Waters y la ejecución por los hermanos Fogerty. Die, por el contrario, es una bola de nieve que trae se chupó a Jimi Page y a todo el crew de Deep Purple. Los amantes del rock clásico saben de qué les estamos hablando.
Este es el segundo LP de la banda, quienes han estado activos desde 2009. Recomendamos ampliamente el EP Broken Dreams Club, con el que tuvieron una gran acogida en la escena indie. No hago hincapié en ninguna canción en particular porque el disco es muy bueno. Para los amantes del buen rock, este es un álbum puede sacarles una sonrisa. Va sonando!
Nos tomamos unas vacaciones en julio para regresar con este gran álbum de los canadienses Azari & III. Con un sonido marcado por los beats retro de los 80’s e inclusiones de voces más modernas, Dinamo Azari y Alixander III han realizado un excelente álbum debut.
El techno de Tunnel Vision o Indigo, el house de Reckless (With your love) y el dark beat de Infinity y Change of Heart comprueban la excelente versatilidad de género que abarca el dúo en sus composiciones. Sin duda, un álbum que pega en toda la onda vampiresca que se ha gestionado en los últimos 5 años con todo esto de Crepúsculo, True Blood, etc.. Recomendado para el otoño que se acerca!
El lanzamiento de Radio Soulwax se veía venir desde hace un tiempo. Varias veces nos encontramos con artículos sobre 2 Many Dj’s (o Soulwax.. como sea que sea) referentes a algo que se venía cocinando desde el lanzamiento de As Heard On Radio Soulwax, anunciando un proyecto experimental que combina imágenes y sonidos. Pues bien, el momento ha llegado y desde hace dos días podemos escuchar en la página http://www.radiosoulwax.com/, el proyecto materializado.
Radio Soulwax, como su nombre lo indica, es una estación radial poco convencional cuyo propósito es ofrecer una «experiencia» (como ellos odian llamarla) audiovisual inspirada en las carátulas de los álbumes donde están las canciones que están sonando durante el programa. Lo que hacen es jugar con los elementos gráficos de las carátulas mientras suena la música y crean un híbrido experimental que de seguro captará la atención de los espectadores por un buen rato.
La radio comienza con su programa INTROVERSY que dura 1 hora y se repite durante las 24hrs siguientes. La idea de 2 Many Dj’s es incluir un programa semanal durante los próximos meses y variar su programación a medida que pasan las semanas. Pero por ahora toca conformarnos con este programa, bastante experimental, que sin duda evoluciona la concepción de entretenimiento y arte en medios digitales. En mi opinión personal, esto ha sido uno de los sucesos artísticos más relevantes del año y no puede dejarse de lado.
Tienen una aplicación para dispositivos móviles Apple, Android y más para llevar Radio Soulwax donde quieran!
Nueva energía para levantar el ánimo del alma. De principio a fin, Living on the Edge of Time es un álbum enérgico y perfecto para cualquier situación. Baterías disco, líricas indie y Pop synths que tal vez no innovan mucho en sonido, pero regalan un poco de ese electropop catchy perfecto para amenizar el ambiente.
El single On a Train esboza un poco el panorama que se disfruta en todo el álbum: energía constante. Sólo 2 canciones en el medio Say a Word y To See You Smile cambian un poco el ritmo del álbum. Cabe destacar la fuerza y el sonido de canciones como Always on the run, The Edge, Fireworks y You Should Talk (esta última con un intro que termina en una explosión de sonidos retro perfecto para inyectarle turbo al motor).
Añadido al playlist de Comfort y música para volar. Va sonando. Actos similares: Friendly Fires, Cut Copy, YACHT, FM Belfast, Digitalism, Foster the People, The Toxic Avenger, Hot Chip, LCD Soundsystem, Fujiya & Miyagi.
Tal como su título lo indica: Melancólico, nostálgico y esperanzador como un avión ruidoso volando bajo, los estadounidenses de Raleigh, The Rosebuds, se nos vinieron con un álbum ambientado en los años 70’s, pero con una nueva producción del s.XXI.
Un ensamble de cuerdas permanente en el fondo, líricas melódicas, baterías sencillas, bajos setenteros por el lado disco y guitarras cargadas de reverberación y choruses junto a los pequeños arreglos de teclado a lo largo del álbum, disponen la profundidad necesaria para considerar este álbum una obra maestra. Sería injusto destacar canciones sobre las demás. Excelente recomendado.
Gloss drop es como un guayabo mal dejado: una acidez crónica seguida de una migraña asesina y un pálpito arrítmico. La más clara representación del orden desordenado, como si la canción detrás de la producción hubiese sido distorsionada para crear un Frankenstein erudito, digno de una conversación con Eco, Chomsky y Foucault. La genialidad musical de esta banda neoyorkina se vislumbra detrás de todo el humo psicodélico que su música exhala.
Comencé a escuchar el álbum con la colaboración de Aguayo en Ice Cream y simplemente hechizó mis oidos. Pronto, el entorno se convirtió en una proyección de la música que escuchaba: gotas cayendo en pleno atardecer soleado. Y así, transcurre un álbum lleno de energía y buen rock combinado con elementos electrónicos en sinfonías de secuencias melódicas poco convencionales y ritmos igualmente complejos. Los delays de Inchworms, la locura en Wall street y My Machines, la ternura de Kazu Makino (Blonde Redhead) en Sweetie & Shag... en definitiva, un álbum para oidos exigentes.
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Va sonando ♪ 